Con un hype del tamaño de Mothra, Drive (El Escape, WTF?) llega a México tres días antes de su salida en formatos de entretenimiento casero. Pfff!

En realidad no había querido leer reseñas antes de ver la película, así que me mantuve al margen. Pude ver algunos comentarios o encabezados en diversos sitios que la calificaban como 'una película de acción dirigida por David Lynch'. Con esas apreciaciones, cualquiera querría ponerle los ojos encima.

A diferencia de lo que me pasó con Underworld 4, la proyección en Cinemex WTC fue un insulto a la película y el público. A pesar de ello, la película es una belleza.

Cualquiera que esté familiarizado con el trabajo de Michael Mann (Heat, Collateral) notará que el director, Nicolas Winding Refn hizo un homenaje al Los Ángeles que Mann tanto retrata. La personalidad de la ciudad es la personalidad de la película. Un poco de Miami Vice, un poco de Grand Theft Auto y un poco de la misma Collateral.

Ryan Gosling hace un papel que no requiere mucho esfuerzo pero, gracias a su carisma, es memorable. Su personaje no tiene nombre, es simplemente un piloto que trabaja como doble en películas de acción y se alquila como chofer de escape para trabajos de malvivientes. Su vecina es Irene, interpretada por Carey Mulligan y su carita de inocencia, lo que nos hace amarla apenas la cámara pone la lente en ella. Irene tiene un hijo y su esposo está en prisión. El conductor y ella inician una relación de amistad/tensión sexual, y las cosas parecen 'jijijí' hasta que Standard (Oscar Isaac), el marido, retorna de su encierro.

El conductor de Gosling es un tipo de pocas palabras. Muy pocas. A veces ni siquiera responde a las preguntas. Pero se nota detrás de su rostro parco que es un buen tipo. Claro, eso es hasta que Standard es amenazado por la mafia y el conductor intenta ayudarlo para evitar que Irene y su hijo sufran las consecuencias.

Aquí, después de que nos han hecho simpatizar con el héroe, es cuando vemos su lado oscuro. Y Nicolas Winding no tiene recato cuando se trata de mostrar violencia, como pudieron verlo en su anterior Valhalla Rising. Todas las muertes son gráficas, estilizadas y sorprendentes. Cuando llegan la película pisa el acelerador y vemos al personaje de Gosling como un tipo despiadado.

El cine gringo nos ha acostumbrado a un tipo de acción Michaelbayesca, en la que todo es frenético y no hay manera de comprender lo que realmente está pasando. Pero antes, las películas de balazos eran mucho más pausadas. Había más dedicación hacia los personajes, como en 48 Horas, Hard Boiled o Die Hard. Esta es una cinta con ese espíritu. Tal vez mucho más pasiva y enfocada en la estética que muchas otras cosas que hayamos visto. Mucho más cerca del cine negro que del bang, bang, bang, swoosh del Hollywood reciente.

Y el soundtrack, cargado de synthpop a la Giorgio Moroder, le da la atmsófera GTA que la ha hecho tan popular entre los seguidores del juego. Es suficiente con mirar la secuencia de créditos para comprender el tono de Drive: un homenaje a la saturación de luces durante las noches, los caminos llenos de curvas, el crimen y la constante necesidad de andar en auto.

Espero volver a verla con un sonido decente, porque estoy seguro de que juega un papel muy importante —eso no pasa con Woody Allen—. Lo merece.

Permalink | Leave a comment  »

Cuando apareció el avance de la primera Underworld asumí que mi sueño se había hecho realidad: una película de vampiros versus licántropos. Tuve que comprar el DVD para poder verla porque tardó mucho tiempo en llegar a las carteleras mexicanas. Cuando la pude ver por fin, me pareció de lo más aburrida. Len Wiseman, el director, hizo una película cargada de diálogo existencial, con acción mediocre, uno que otro efecto especial interesante y muy pocos vampiros. Eso sí, una Kate Beckinsale hermosa.

Y exactamente lo mismo han sido las dos secuelas. He visto cada una de ellas, más por mi amor por ambos géneros de monstruo y el eye candy aportado por Beckinsale, que por lo divertidas que puedan ser las películas en sí. No me ocurrió lo mismo con la más nueva: Underworld Awakening.

Ahora, antes de hablar de la película en sí, debo admitir que la proyección tuvo un gran impacto en lo mucho que la disfruté. Acudí a Cinépolis Diana, que al parecer ha cambiado sus proyectores, porque la imagen en 3D es absolutamente cristalina. No me dejaba tan impactado una proyección desde que vi Scott Pilgrim Vs The World en los AMC de la 42 en Nueva York. De hecho, antes de iniciar la película, salí a pedir que le subieran un poco al audio porque se escuchaba muy bajito durante los trailers. Lo hicieron en menos de dos minutos. Kudos.

Gracias al detalle de la imagen, pude ver Underworld Awakening como fue pensada. Esta es una película fotografiada de una manera increíble. El uso del 3D es ingenioso, desde las secuencias acuáticas en las que las balas penetran en slo–mo, hasta una persecución en la que los lycans amenazan a los pasajeros de una camioneta.

El dúo de directores conformado por Mans Marlind y Björn Stein consiguen, a diferencia de Wiseman, que la acción sea perfecta, legible e ingeniosa. Los poderes vampíricos de Selene sí entran en juego durante las secuencias de batalla. Esta es una película de acción/gore que explota todo lo que se puede a pesar de que probablemente ya estemos cansados de esta franquicia —como en mi caso—.

La trama es, obviamente, un pretexto insulso para la acción: la humanidad conoce la existencia de lycans y vampiros. Los extermina, aunque quedan algunos rebeldes. Durante La Purga —como se le conoce al exterminio— Selene y su amante híbrido son atacados y llevados a un laboratorio. Después de 12 años, la Death Dealer despierta para encontrar un mundo distinto al que conoció, con células de ambos bandos luchando por la supervivencia. Durante su escape del laboratorio, Selene descubre que los licántropos planean un retorno como la especie dominante, junto con otra sorpresa que es la razón principal para que, seguramente, haya una nueva trilogía de Underworld.

Yo opino: si las próximas serán iguales a esta, por mí que hagan una docena.

Siempre sentí que esta serie era un poco menospreciada por el estudio, pero es muy probable que la incapacidad de Len Wiseman para fabricar una película un poco más ambiciosa haya sido la causa de lo mediocres que son la primera y la tercera. La segunda tiene varios momentos entretenidos, pero esta tiene mucho más 'alma'. Por ponerlo de alguna manera.

Definitivamente recomiendo verla en un cine decente. Estoy seguro de que eso magnifica la emoción.

Permalink | Leave a comment  »

Sonaría así. El EP Kill, Kill, Kill de Kill The Noise me trae como drogado.

Permalink | Leave a comment  »

No odio conducir. Simplemente, a diferencia de lo que opina el resto de la sociedad, me parece incómodo. :O

Realmente no he necesitado un auto para vivir. Me gusta mucho caminar, me encuentro en una colonia que tiene la mayoría de los servicios que requiero al alcance de mis pasos y, principalmente, evito esas situaciones que los conductores menosprecian en comparación con las ventajas de colocarse en el asiento del piloto. Para mí no es así.

Por ejemplo:

1. Llegar tarde a la película/cita/obra de teatro/oficina por no encontrar sitio para estacionarse.
2. Lidiar con Valet Parkings, vienevienes y vehículos de terceros que pueden golpear tu auto mientras está estacionado.
3. Agencias que te piden el Arca de la Alianza a cambio del mantenimiento.
4. Mecánicos abusivos que, a veces, magnifican los problemas.
5. La manera de conducir en las ciudades mexicanas: defensiva y abusiva.
6. La posibilidad de que el auto te deje tirado —me aterra—, que a veces es consecuencia del punto 4, y a veces de la propia negligencia.
7. El tráfico. En el transporte puedes leer, escribir, mensajear o desconectarte con los audífonos.
8. El estrés.
9. La posibilidad de robo del vehículo.
10. Los pagos idiotas al gobierno.

No pretendo evangelizar con aquello de que 'caminar/andar en bici es mejor'. Pero la alfombra de autos en la Ciudad de México, aunada a las marchas, obras, imprudencia, agresividad, falta de compromiso cívico y demás factores, me parecen una plaga.

Es probable que yo gaste mucho más dinero en transporte público del que podría 'invertir' en un crédito, gasolina y estacionamiento. Pero mi filosofía es: Compro mi tranquilidad.

Rara vez veo conductores con una sonrisa en la cara en horas pico. No me agrada la idea de ser uno de ellos.

Permalink | Leave a comment  »

Instalé Netflix en mi PS3 porque traía un icono GIGANTE y una promoción de 1 mes gratis. En términos generales, la selección de películas me pareció apestosa, la interfaz es horrible, la calidad de reproducción muy cuestionable, pero… pero… PERO: me encontré con una peliculilla que quería ver desde hace tiempo y que por paria y holgazán no había visto. Me refiero a Paprika (2006) de Satoshi Kon, el mismo de Perfect Blue (1997) y Tokyo Godfathers (2003). Según he leído, está basada en la novela homónima de Yasutaka Tsutsui de 1993, y supone una influencia grande a la manufactura de Inception (2010) de Chris Nolan. Parte del gremio geek se rasgó las vestiduras en su momento al argumentar un supuesto plagio de Nolan a la cinta de Kon-san, cosa que Nolan desmintió hábilmente al citar a Paprika como una "influencia". Lo clásico. ¿Es un poco tonto andar buscando escandalitos a la Kimba, the White Lion en las películas de Hollywood, no? Es como esa otra estéril teoría de la conspiración (favorita del geekismo), la controversia Harry Potter vs The Books of Magic de Neil Gaiman. Bah.

Permalink | Leave a comment  »

David Fincher es el responsable de llevar un estilo áspero del diseño al cine y con un éxito de tal magnitud, que cientos de directores comenzaron a imitarlo. La película que lo inauguró como el líder de esa estética fue Se7en. En aquella historia policiaca, Fincher consiguió transferir sentimientos de claustrofobia, pestilencia, desesperanza, incredulidad y podedumbre al espectador con una fotografía bella pero descuidada y una atmósfera lluviosa, sucia y gris.

Con esa carta bajo la manga, era evidente que la adaptación gringa de la serie de novelas Millenium le quedaría como anillo al dedo. No fue así.

Su The Girl With The Dragon Tattoo es un espectáculo estético perfecto. Desde la brutal secuencia de créditos iniciales amenizada por Trent Reznor y Karen O, hasta la toma del corazón destrozado al final —no es spoiler realmente—. Cada imagen es perfecta y se nota producida con una dedicación casi enferma —como aquella en la que la cámara aérea sigue al tren en medio de una tormenta de nieve—.

Esa es su falla. La única, claro. Porque las actuaciones son perfectas, las locaciones hermosas, la cinefotografía una delicia, el soundtrack no se monta sobre lo que vemos, más bien lo complementa…

Mi problema es que la Lisbeth Salander de Rooney Mara, a diferencia de la de Noomi Rapace —¿de dónde salen esos nombres?—, parece invencible. Este es un personaje descrito en las novelas (que yo no he leído, pero los fans me han platicado) como una especie de tomboy adolescente. Salander tiene cuerpo de niño teen —que Rapace sí tiene—, pero la Salander de Mara es a) hermosa y b) dentro de su extrema delgadez, muestra un cuerpo muy femenino que Fincher aprovecha para retratar con lujuria cada vez que la secuencia lo demanda.

La ropa de Lisbeth Salander versión Fincher también parece salida de una versión Goth de Mango, y su obsesión con Mac raya en el anuncio minimalista que la marca nos ha enjaretado hasta el cansancio.

Danel Craig también aporta una presencia casi invencible, a pesar de que su personaje en realidad es más vulnerable. Él lo hace muy bien, pero no podemos quitarnos de la cabeza a James Bond, y durante la extensión de la película esperamos que explote y destruya a sus antagonistas con las manos, sin sufrir un rasguño.

La producción es tan impecable que resta credibilidad. Al menos a mi manera de ver.

También, las secuencias más violentas de la primer novela —todos saben de qué hablo, espero—, son retratadas sin el peso sórdido de la versión sueca, mucho menos comprometida con la moral.

Fincher ha conseguido una reinterpretación que funciona más como eye candy que como una historia de drama e intriga. A mi parecer es una falla, pero no deja de ser entretenida.

Permalink | Leave a comment  »

El viejo parque del Candelero, hogar de los 49ers y de incontables batallas de postemporada, "cuántos recuerdos, mi Lic." Antes de Bill Walsh, los Niners eran como el trapeador de la vieja NFL. Destaca un quarterback, Y.A. Tittle, inmortalizado por esta icónica fotografía. Y ya. De ahí en fuera, San Francisco destacaba más por ser una de las ciudades más bellas y encantadoras del mundo. La romántica Bahía, el Golden Gate, I left my heart in San Francisco. Un buen día, sin embargo, llegó Bill Walsh al equipo, y trajo a un talentoso quarterback de Notre Dame de nombre Joe Montana. A mediados de los noventa, los Niners eran una de las franquicias más exitosas del futbol americano, con 5 Super Bowls en la bolsa y un montón de conversos a la causa, presumiblemente gente que vivió intensamente los ochenta y se aficionó por la NFL cuando Montana amontonaba récords. Y cómo no. Recuerdo perfectamente bien "The Catch", oh sí, yo estuve ahí frente a mi televisor (el partido se transmitió en Canal 13), a mis tiernos ocho años o algo así: Niners vs los Cowboys en el Parque del Candelero, Dwight Clark vs Everson Walls, el imposible pase, la imposible recepción… pataleé y lloré, me acuerdo tan bien. Terminó el partido y no solo eso, con el cambio de década los Cowboys le habían cedido el control de la Nacional a los Niners, una nueva dinastía en ciernes, claro. Pero yo qué iba a saber. Solo recuerdo que comenzó El Show de los Muppets y ya.

Permalink | Leave a comment  »

Resulta que Faster Pussycat! Kill! Kill! está completita en YouTube. Cómprense unos Sabritones y disfruten esta megadelicia de culto en la comodidad de sus casas.

Kanpai!

Permalink | Leave a comment  »

See the full gallery on Posterous

1. El continente de la Antártida, el que avistó el Capitán James Cook en milsetecientossetentayalgo y para fines del siglo XIX y principios del XX ya estaba siendo explorado como Dios manda, ha sido objeto de las fantasías masturbatorias de la ciencia ficción. La lejanía de la civilización, la enorme extensión (unas siete veces el tamaño de México) y el ojetísimo frío polar hacen de la Antártida una locación fabulosa para monstruos o ciudades extraterrestres ocultas. En este sentido, el otro día me di en Cuevana® The Thing, el remake la precuela del 2011 del clásico pedorro de John Carpenter sobre una virulenta criatura de origen cósmico que imita con lujo de terror a sus recipientes humanos y los replica en cosas grotescas que, ejem, matan gente. Como el Flood de Halo, pues. Me la imaginaba más chafa, la verdad, pero debo admitir que me entretuvo: no está tan mal contada, y los sustos y el gore son suficientes. Cualquier deficiencia en el guión, además, es empañada por esa hermosa cosita cuasialienígena que responde al nombre terrícola de Mary Elizabeth Winstead. ¿No se ve rechula sujetando el lanzallamas?

Permalink | Leave a comment  »

Por cierto… ESTA canción ownea.

See the full gallery on Posterous

Permalink | Leave a comment  »

Pienso que We Need To Talk About Kevin podría hacer por la maternidad lo que Jaws hizo por el mar. Hay momentos en los que se comporta como una película de horror, pero no lo es. De la misma manera en que Jaws llega a ser una cinta de horror sin realmente serlo. Pero, claro, hasta ahí llegan las similitudes.

No me gusta Tilda Swinton. Fuera de The Beach, la mayoría de sus películas me parecen aburridas. Y algo en ella me cansa. Sin embargo, We Need To Talk About Kevin depende 100% de su capacidad para demostrar un gran rango de emociones con una mueca inmutable. Tal vez hasta me hice su fan.

La directora Lynne Ramsay quería hacer una versión de The Lovely Bones que abandonó supongo después de que Peter Jackson anunciara la suya, así que recurrió a la novela de Lionel Shriver sobre la madre de un adolescente que comete asesinato masivo en su escuela. Sorprendentemente, con toda la violencia perpetrada por el Kevin del título, esta no es una película con sangre ni crueldad en pantalla. Lynne Ramsay consigue crear tensión insoportable con detalles mucho más sutiles. Y en verdad que es efectivo.

Tilda Swinton es Eva Khatchadourian, una mujer exitosa que gusta de recorrer el mundo hasta que conoce a Franklin (John C. Reilly), se casa y tiene un hijo. Su relación con Kevin está condenada desde el inicio. Simplemente no existe química entre ambos y hay secuencias en las que su hijo es apenas un bebé, pero su comportamiento es absolutamente insoportable, capaz de llevar a su madre a la locura.

A través de saltos constantes en el tiempo, somos testigos de cómo era la vida de Eva antes de Kevin, de cómo era cuando nace y durante su niñez, pero principalmente de cómo ella debe enfrentar la vida después de que su hijo comete un crimen que también la señala como culpable. Al menos ante los ojos del pueblo en el que vive.

A diferencia de lo que podríamos esperar en una historia con este tema, nunca es evidente la inclinación de Kevin (interpretado por tres personas distintas con una frialdad impresionante) hacia la violencia. El personaje siempre se mantiene manipulador, con un rostro hacia su padre y uno totalmente opuesto hacia su madre. Esa falacia de la 'inocencia de la niñez' no aplica aquí. Los niños conspiran, saben el poder de su 'inocencia' y cómo conseguir cosas con ella. Son crueles hacia otros niños en maneras que en nuestra vida adulta difícilmente podemos imaginar. Por eso Kevin suena tal real.

El tono de We Need To Talk About Kevin nos hace pensar que Eva cuestiona todo el tiempo lo que está mal con ella. Con su útero, con su perspectiva de vida y con sus elecciones.

Es posible que en el avance no parezca tan apabullante, pero la escena final provoca un involuntario 'gulp'.

Permalink | Leave a comment  »

Este fin de semana, tres finísimos quarterbacks nivel AAA-prime time y un lanzapiedras van a acaparar mi tiempo frente a la televisión. Tom Brady es un viejito ya pero podría convertirse, si mal no recuerdo, en el primer QB en aparecer en 5 Super Bowls. E iría por un lugar glorioso que solo comparten unos tales Montana y Bradshaw. Aaron Rodgers ha tenido el mejor maldito año de su vida, ganando el Super Bowl en enero (y fue el MVP) y rompiendo el récord de mejor rating para un pasador en una sola campaña (poseedor anterior: Peyton Manning). Quiero ver si los Packers están listos para recuperar el nivel que mostraban cuando su cuasiperfecta temporada marchaba viento en popa. Drew Brees está loco: el tipo es un superdotado a la Dan Marino, reparte pepinos como pistolero del viejo oeste y en un día con hueva se mete 400 yardas sin problemas. Según Wooka La Infatuada, no será el MVP este año (el honor él se lo acredita a Rodgers), pero eso no quita que sea un maldito espectáculo. Pobres Niners.

Permalink | Leave a comment  »

La fuerza bruta: los cimientos de toda civilización. Lo cual suena idiota pero no lo es (solo es contradictorio). Los expertos indiscutibles en el tema eran los antiguos romanos. Inventaron la civilización occidental tal como la conocemos, y también se distinguieron por su brutalidad adentro y afuera de sus fronteras. Nadie más sanguinario que los hijos de Rómulo y Remo. Y si tomamos aquella frase de John Lennon ("Today America is the Roman Empire and New York is Rome itself"), bueh, entenderemos por qué hoy día los gringos salen a hacer la guerra al extranjero y le rompen la madre a sus enemigos. La actitud hacia sus compatriotas no mejora en realidad, pues suelen ser inflexibles, rígidos. Existe una palabra para partirle el cráneo a un civil con todas las de la ley: enforcement. En la antigua Roma no existía la policía como un cuerpo de seguridad civil, pero ay ahí de ti si hacías encabronar a un pretoriano…

Permalink | Leave a comment  »

La imagen que ilustra este post fue la primera que vi de la 'nueva' de Almodóvar. Yo jamás fui fan de su farsa escandalosa en las épocas Pepi, Lucy, Bom y Otras Chicas Del Montón o Átame, pero con Todo Sobre Mi Madre y Hable Con Ella, que básicamente son 'dramones', me hice adicto a su cine. Esa primera foto decía todo lo que yo quería saber: esta será una historia tétrica. Un thriller poderoso.

He visto dos veces La Piel Que Habito, y la segunda la disfruté mucho más. Es una película con 'giro' —puaj—, pero creo que es fácil percibir hacia dónde va una vez que llegamos a la mitad. A pesar de ello, esta reseña no contendrá spoilers. Si ustedes no la han visto, deben. El director ha fabricado una historia de suspenso y venganza en la que las obsesiones son la médula espinal. Vera (Anaya) y Robert (Banderas), tienen una relación extraña. Él es un cirujano exitoso que ha descubierto la manera de crear un tipo de piel mucho más resistente que la piel humana. Ella es su conejillo de Indias, encerrada en un cuarto monitoreado 24/7. Al menos así transcurre la primer mitad de la película.

Es obvio que hay algo torcido en la relación, pero mientras diversas situaciones exageradas ocurren, nosotros intentamos desmenuzar el misterio. Almodóvar consigue su propósito: intrigarnos con personajes extraños, desquiciados y atractivos. Pero durante esta etapa La Piel Que Habito es Otra Loca Loca Película De Almodóvar. Marilia, la nana/sirvienta/ama de llaves/WTF? de Robert (Marisa Paredes owneando la pantalla como siempre) en momentos es demasiado exagerada en su drama, y a veces equilibra lo bizarro de la relación entre Elena y Robert.

Una tragedia del pasado une a los personajes y desde el inicio es obvio que la conoceremos más adelante. La película brinca hacia el origen de todo el conflicto y utiliza la información que ya tenemos para destruir nuestra percepción de los personajes —Elena Anaya fue diseñada para interpretar a Vera, y sin necesidad de demasiado artificio, deja a todos los espectadores con la boca abierta. Desgraciadamente explicar en qué consiste resta todo el impacto. Es muy probable que el giro no sea tan devastador como en Old Boy o El Sexto Sentido, pero no deja de ser fascinante. Igual que en la trilogía de Chan–Wook, la venganza de La Piel Que Habito destruye a todos los participantes en la misma medida. Deja de tener importancia el evento que la desencadena y más bien nos preguntamos si valió la pena tanta violencia piscológica y física. Si la perversión tuvo sentido.

La única parte que a mi gusto desentona con el ritmo y las imágenes es la música incidental. En ocasiones parece demasiado intensa para escenas que realmente no lo requieren, como Robert estacionando su auto a ritmo de cellos de suspenso. Aunque la participación de la cantante Concha Buika para adornar uno de los momentos más importantes es enorme.

Creo que vale la pena darle un segundo vistazo.

Permalink | Leave a comment  »

Florrie es como una Rosie Huntington–Whiteley que escribe jevipop, que se diferencia del golfipop en que la cantante no sale encuerada o semiencuerada. Yei!

Permalink | Leave a comment  »

Tarsem Singh es famoso por dirigir el video de "Losing My Relegion" para R.E.M. Se supone que discrimina sus proyectos de acuerdo al reto intelectual que le representan, o al menos eso es lo que se dice de él, porque sus películas demuestran todo lo contrario. The Cell —que recibió el inexplicable título de La Célula en México— es una película que se ve increíble, con algunas imágenes inolvidables, pero hay que admitir que es un remedo de Se7en con ínfulas surrealistas, y el resultado es bastante mediocre. Quien escoja a Jennifer Lopez como su actriz principal, no es alguien de fiar.

Inmortales es la más reciente pelicula de Tarsem —quien eliminó su apellido de los créditos tal vez por temor a la discriminación gringa— y es exactamente igual a The Cell, un festival de diseño y fotografía estimulantes, pero con un enorme vacío dramático. Si 300 es un Ferrero Rocher, Inmortales es un Snickers. Ambas recurren al slo–mo y la fotografía con colores saturados contra fondos oscuros, pero a diferencia de DisisSparta, aquí todo el tiempo sabemos que los actores están en un set. Es como teatro filmado, con espectaculares efectos visuales.

Pero en palabras de Raúl Velasco, aún hay más… La mitología griega, tan manipulada en los últimos años por el cine gringo, no necesita correcciones ni actualizaciones. Vamos, La Iliada, La Odisea y la relación dioses–mortales, pueden ser retomadas por cualquier autor y transformadas en un gran espectáculo sin necesidad de manipular las historias. Tarsem se siente por encima de ello y nos cuenta la historia de Teseo, hijo bastardo y protegido de Zéus, con lujo de copy/paste.

Teseo (Henry Cavill) ve a su gente amenazada por el rey Hiperión (Mickey Rourke en un papel que únicamente le exige meterle a la papa y asesinar gente el 99% del tiempo) y su ejército. Los dioses no puede intervenir con los problemas de la humanidad (WTF? Si Zéus ama transformarse en mosca e ir a punkear a los humanos todo el tiempo) hasta que los Titanes sean liberados, entonces, por mucho que desean brindar apoyo a los mortales, nada más observan desde el Olimpo que parece creado por el diseñador de producción de la última gira de Kylie Minogue. Hiperión pretende liberar a los Titanes para acabar con el resto de los griegos y conseguir que los hijos de sus hijos tengan sus facciones por el resto de la historia o algo así.

Cualquiera que ame la mitología griega se sentirá engañado por Tarsem —esperen a ver su versión del Minotauro—, pero lo que Inmortales no tiene de historia lo recupera en secuencias de acción. El instante en que los dioses del Olimpo deciden bajar a soltar golpes es épico. Mientras los mortales pelean a velocidad regular, el director diseñó secuencias de batalla en slo–motion para los Olímpicos que le dan lecciones a las de Zack Snyder en 300. El pretexo es que Zeús y sus hijos se mueven tan rápido que únicamente la cámara lenta puede captarlos reventando cabezas en glorioso gore.

Festejarán el diseño del vestuario, cortesía de Eiko Ishioka, la misma mujer que estuvo detrás del look de la Drácula de Coppola e hizo lo mismo en The Cell. Pero al final la película se siente vacía, como ver un show de Cirque Du Soleil en VHS.

El 3D no vale la pena.

Permalink | Leave a comment  »

Los peacemakers of the west salvan al mundo de la catástrofe nuclear. El tema es recurrente: me viene a la mente aquel bodriazo de DreamWorks titulado, curiosamente, The Peacemaker con Clooney y la Kidman, y amenaza de bomba atómica en el edificio de la ONU en Nueva York. Hace no mucho, Samuel L. Jackson apareció en un filme de nombre Unthinkable en el que un musulmán planta tres bombas atómicas en tres grandes ciudades gringas y Jackson es el interrogador/torturador encargado de sacarle la locación de las bombas. Está la serie del videojuego Call of Duty Modern Warfare que presenta a un villano ruso de nombre Makarov, lo suficientemente loco como para detonar bombas atómicas. Y por supuesto viene a la mente el clásico Thunderball del 007, donde aquel mamón número 2 de SPECTRE, Emilio Largo (un villano con parche en el ojo, a la Catalina Creel) se roba dos misiles nucleares de la OTAN y amenazan con detonarlas a menos que se les paguen ONE-MILLION-DOLLARS. Por lo general, los artífices de la amenaza nuclear son organizaciones terroristas o locos anarquistas. En la cuarta parte de las adaptaciones fílmicas de Misión: Imposible, el loco anarquista es un tal Cobalt, medio ruso y medio sueco, quien planea empezar la era de Acuario con fuegos artificiales de uranio. A la mitad de un lento arranque en la cinta, nos enteramos que Ethan Hunt ha estado en la cárcel y se ve atrapado en un atentado al Kremlin con varios operativos de IMF (la famosa Fuerza de Misiones Imposibles), deshabilitados porque el presidente gringo echó a andar el "Protocolo Fantasma" del título –es decir, el desmantelamiento de IMF. Cobalt necesita tres cosas para lanzar su bomba: los códigos, la máquina rusa para apachurrar botones y un satélite. La cosa es muy simple y está narrada a manera de persecución. Hay que detener al baddy antes de que encienda el infierno.

Permalink | Leave a comment  »

Es posible que Aliens sea la favorita de la saga para muchos fans, pero la original Alien, de Ridley Scott, es superior por mucho. Podrá no ser tan rápida, pero la atmósfera y la elegancia con la que fue dirigida la colocan en una posición única. No hay más películas como Alien.

Ahora que Scott ha decidido revisitar el universo que le diera luz verde a su carrera, sus seguidores esperamos demasiado. El primer avance de Prometheus ha sido de los pocos vistazos que me han dejado palpitando aceleradamente. El fan service —el nombre de la cinta apareciendo gradualmente igual que en Alien, o el Space Jockey en acción— en el trailer es desquiciante. El fanboy que levo dentro quiere saber si la película llevará un ritmo y suspenso similares a los de su predecesora o será un espectáculo vertiginoso como Gladiador. El director sabe bien usar la tecnología y no se deja llevar por la tentación de arrojar efectos especiales a la audiencia nada más porque sí. Pero, si hace una cinta de suspenso con ínfulas setenteras, el estudio no estará muy contento. Hoy en día las películas ambiciosas de sci–fi deben tener golpizas inentendibles al por mayor. Darle varo a Scott para regresar a la narrativa de Alien no parece ser el camino que los estudios buscan en esta era.

Como sea, y por lo que se puede ver en el trailer, habrá paisajes impactantes y mucha tensión. Tal vez facehuggers o algo que se le parezca. Los abuelos de los facehuggers. Puedo asegurar que Scott no nos aplicará un 'son midiclorianos', y respetará la mitología que él mismo fundó. Sus quejas de "He visto al xenomorph en Disney" me tranqulizan.

He repetido el trailer de Prometheus —supongo que así se llama la nave en la que viajan Noomi Rapace y Charlize Theron, que gritarán en el espacio a oídos sordos— al menos una vez diaria desde que salió, en un intento por digerir todo lo que nos muestra. Es un momento emocionante, indeed.

Permalink | Leave a comment  »

Siempre he envidiado a los duderinos con habilidades para dibujar (aunque me gusta dibujar, y lo hago seguido, aunque ud no lo imagine), y más aquellos que tienen el "control" de su obra a la Robert Rodriguez –lo último es especulación: vayan ustedes a saber cuántos artistas robertrodrigueciles no serán en realidad presa de los berrinches de los ejecutivos mirrreyes de la industria del entretenimiento). Pendleton Ward, nerd espectacular, es el cabroncito que formuló la serie animada más memorable de los últimos años, Hora de aventura (que ya se transmite en México desde hace algunos meses por Cartoon Network). Él escribe, dibuja, anima, etc. Hoy Julia chan y yo vimos el episodio de la bruja calva que insta a Finn el Humano para que le consiga pelo de princesa o de lo contrario succionará por el ano a Jake el Perro, su fiel comparsa. Olvídense del humor bobalicón de Shrek, triplemente mongolizado por el doblaje nacional: Hora de aventura es la popó real. Los guionistas, espíritus libres que deben de pachequear a la mínima provocación, roban referencias de El Amadís de Gaula, Los Simpson, South Park, El Señor de los Anillos, el juego de mesa Dungeons & Dragons, cine de los hermanos Farrelly, cine de los hermanos Marx, Star Wars, Harry Potter y lo que se vaya acumulando. Es un reverendo desmadre que tiene su lógica en las pendejadas hilarantes que suceden en los episodios. Es casi dadaísta. Una princesa está hecha de grumos. Otra padece vigorexia. Otra tiene pelo de goma de mascar. El doblaje, en este caso, me parece adapta y "nopaliza" correctamente tanto las voces originales como las intenciones del sentido del humor. La expresión naca del doblaje, como el "James-me-me-mes" de Pokémon hace una década, acá es "qué pashú" –ejecutada cuando reciben una llamada al celular (Jake el Perro a veces sale con un horrible teléfono clamshell), o solo están frente a una situación que amerita ser meditada. Lo verdaderamente cabrón de Hora de aventura es que es una serie de Cartoon Network (Ward se la ofreció a Nickelodeon dos veces pero fue rechazado), dirigida a un público infantil y pre-teen. Acá no existen las libertades de lenguaje de South Park o la crítica social-política de Los Simpson. No, este es un show para niños. Lo cual es DIFÍCIL. Como decía en mi comentario de Tintin, es puro humor infantil sobre un chico y su perro. Nomás que este sí tiene colesterol.

Permalink | Leave a comment  »

Bueno, pero eso no es lo que nos interesa en este espacio de lujuria. Rihanna es una delicia y amo que tenga una parte innegablemente masculina, como si te fuera a poner una putiza —aunque realmente ella las reciba. No soy realmente fan de las negras, pero esta mujer me obsesiona.

Esta foto les hará la mañana.

Permalink | Leave a comment  »